Papel Escena es una publicación académica bianual continua de la Facultad de Artes Escénicas de Bellas Artes, Institución Universitaria del Valle, que tiene como objetivo la difusión de artículos resultados de investigación en Artes Escénicas: actuación, docencia artística en teatro y dinamización cultural, así como artículos de reflexión o revisión que sean herramientas de trabajo para investigaciones posteriores en el área y que se ocupen de asuntos de importancia y actualidad para la comunidad.
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Como llevo el recuerdo de Ruquita apresado en mi memoria, envío estas memorias que tratan sobre aquellas cartas y notas que nos cruzábamos y que sirvieron de base a una larga y fructífera relación profesional entre ella, Ana Ruth Velasco y yo, Julio Cordero.
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Fotografiar artes escénicas es, para mí, una forma de conversar silenciosamente entre el movimiento y la luz. En el teatro encuentro un lenguaje que no necesita palabras: cuerpos que se transforman, luces que respiran y emociones que solo existen por un instante. Mi cámara se convierte en mi mirada. Observo, espero, me dejo envolver por la atmósfera del escenario hasta que algo sucede: un gesto, una sombra, una mirada que revela la verdad del personaje. Estas fotografías son memoria visual del arte efímero: trazos de cuerpos que hablan, de personajes que se desvanecen, de luces que cuentan historias.
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Role-Play: Creación de un gameformance a través de la programación interactiva
Este artículo explora la convergencia entre videojuegos y teatro a través del concepto de gameformance, una práctica que integra la narrativa interactiva, la tecnología y la performatividad en la escena teatral. Desarrollado a partir de un proyecto de investigación-creación que combina la experiencia personal como artista escénica y la aplicación del software Isadora para la construcción escénica. Se analiza cómo la tecnología transforma la relación entre el espectador y la obra, convirtiéndo al primero en un jugador. Se reflexiona sobre el papel de la tecnología como mediadora en la dramaturgia programática y se plantean preguntas sobre la coexistencia creativa entre el cuerpo del actor y el dispositivo tecnológico. Finalmente, se discuten las implicaciones estéticas y éticas de esta fusión, proponiendo herramientas técnicas y artísticas para la materialización escénica del gameformance.
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En esta galería, el bailarín y fotógrafo John Galindo comparte una reflexión íntima sobre su recorrido entre la danza y la fotografía escénica. Desde su formación como intérprete de tango hasta su trabajo tras el lente, revela cómo la sensibilidad del cuerpo en movimiento y la atención a lo efímero hacen parte de la composición de cada imagen.
El honorable samurai Inamuraya Taketsura estaba dormido, profundamente dormido, y dormía con la conciencia tranquila… hasta que una perturbación inesperada convirtió su delicioso sueño en una terrible pesadilla que desató su ira y una sentencia de muerte. ¿Quién pagará los platos rotos de tal perturbación? ¿Acaso su sirviente Seiki? ¿O, quizás, alguna de sus hijas? ¿O, tal vez, será el viejo cerezo que crece detrás de casa? El cerezo volador es un cuento de autor anónimo que viaja por la tradición japonesa de los antiguos guerreros samurai, teniendo como estandarte el valor y cumplimiento de la palabra como principio de honorabilidad, el deber ser por encima del querer ser.
Percloruro de hierro es una obra de metateatro ambientada en el estudio de grabación de la emisora Santa Fe. Los actores de una radionovela, cuyas vidas personales están marcadas por conflictos y tensiones, comienzan a filtrar deliberadamente detalles íntimos en los diálogos de sus personajes.
La puesta en escena de Teatro breve para gente brava es una selección cuidadosamente elegida de varios sketches extraídos del texto teatral que lleva el mismo nombre. A lo largo de las cuatro historias que componen la obra se exploran momentos cargados de contrasentido, humor irreverente y un ritmo vertiginoso, donde lo ordinario se transfigura en lo extraordinario. El efecto cómico sobresale de forma natural a través de la interacción entre personajes excéntricos que pretenden despertar sonrisas e invitan al público a reflexionar sobre la ironía de la vida cotidiana.
En esta versión libre de Notas de cocina, de Rodrigo García, y mediante algunos textos de la Divina comedia, de Dante Alighieri, un grupo de muertos nos cuenta cómo destruyeron el planeta y cómo se consumieron ellos mismos antes de morir. Desde la vida, crearon su propio infierno: una desbordada sociedad de consumo, un frenético culto al ego y un pisarse unos a otros, buscando llegar “arriba” en el círculo depredador, en el que todos participan. A veces como humanos y a veces como bestias: centauros.
La muerte se ha apoderado de la ciudad: un virus amenaza con el exterminio de la humanidad, que termina por convertir en rata a quienes la padecen. Quienes gobiernan, al no encontrar una cura efectiva contra el enratecimiento, optan por las armas como forma de control de la propagación del virus. Las muertes que rondan la ciudad son las encargadas de contarle al público de primera mano este gran apocalipsis. Esta versión propone el enratecimiento como metáfora de un mundo al borde de la destrucción, un mundo donde la estupidez humana puede ser un arma de destrucción masiva. Proyecto Piloto es una adaptación libre de la obra del dramaturgo caleño Enrique Buenaventura, con textos también de la versión libre que hace Carlos Enrique Lozano de la misma obra, denominada Proyecto P.
Jesús es la obra del dramaturgo cubano Virgilio Piñera. Es una farsa teatral que en esta ocasión ha sido adaptada para que dialogue con la estética contemporánea de un municipio al sur del Valle del Cauca. Una mentira se convierte en verdad por la psicología popular de las masas, haciendo que la vida de un desprevenido peluquero de pueblo, termine imitando la azarosa vida del personaje religioso “Jesús de Nazaret”. El espectador vivirá una serie de emociones: como la risa, la incertidumbre y la impotencia, reflexionando sobre el poder de la información en la sociedad contemporáneo y cómo las nuevas formas de comunicación relativizan la realidad, encausando la opinión según el interés que se persiga.
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Estudios comparados de expectación teatral: nuevas aproximaciones a la problemática de las/los espectadores
La escritura de una historia territorializada de la expectación teatral (en el marco del Proyecto Filo:CyT FC22-089 "Historia comparada de las/los espectadores en el teatro de Buenos Aires 1901-1914") nos exige el desafío de elaborar un posicionamiento epistemológico, teorías y metodologías teatrológicas de innovación con características específicas acordes a la problemática estudiada. En este trabajo planteamos los principales lineamientos de los Estudios Comparados de Expectación Teatral (ECET), su relación con la disciplina/metadisciplina Filosofía del Teatro, la Fenomenología Aplicada y la Investigación Participativa. Los ECET conciben la expectación teatral como acontecimiento: el "expectateatrar", y valoran la producción de conocimiento en las Escuelas de Espectadores, pensadas como laboratorios de (auto)percepción de la complejidad del expectateatrar.
Lo que llamo la carne es el cuerpo vivido, habitado por el contacto con el mundo. Más que en el cuerpo anatómico, me intereso en su dimensión emocional, cultural, ¡carnal! En esta selección de fotografías exploro diversas temáticas que ponen de manifiesto tanto la vulnerabilidad del cuerpo como su resistencia frente a diversos dispositivos de violencia. Estas violencias hacia la mujer siguen siendo, aún hoy en día, banalizandas o silenciadas en nuestras sociedades. Carne Sub Rosa evoca ese cuerpo que ha sido velado, acallado o asociado a lo reprimido a través de la construcción de tabúes sociales en torno a la sexualidad femenina y a la violencia. Con mis imágenes, busco desvelar y exponer, de manera metafórica, aquello que ha sido secretamente guardado “bajo la rosa”, lo no dicho sobre estas experiencias de la carne. En varias piezas, el cuerpo se convierte en un espacio donde se inscriben las violencias que muchas mujeres sufren: desde la violencia simbólica y estructural hasta la violencia física y sexual. Al exponer estas imágenes pretendo cuestionar las narrativas tradicionales que invisibilizan estas experiencias, confrontando al espectador con una realidad incómoda, pero urgente de ser visibilizada. Otros de los temas que he abordado se relaciona con la sexualidad femenina, un aspecto que la sociedad ha cubierto de tabúes y silencios. A través de estas representaciones, intento escavar bajo la rosa para romper con esos esquemas, revelando una sexualidad que es explorada como una parte integral de la identidad femenina. Finalmente, me adentro en las emociones íntimas que marcan la relación de las mujeres con su propio cuerpo: la vergüenza, el miedo y la lucha por reclamar la autonomía emocional y física. En estas imágenes, el cuerpo se revela como un espacio de contradicción, donde el dolor y el deseo coexisten en tensión constante.
En los diferentes números de la revista Papel Escena, en la sección Escena en Proyección, se registran los montajes resultados de los talleres de creación escénica; obras de dramaturgia de diferentes épocas y de distintos autores nacionales e internacionales, las cuales se trabajan entre docentes y estudiantes, según los contenidos académicos durante el proceso de formación en la Licenciatura en Artes Escénicas de Bellas Artes, Institución universitaria del Valle
En los diferentes números de la revista Papel Escena, en la sección Escena en Proyección, se registran los montajes resultados de los talleres de creación escénica; obras de dramaturgia de diferentes épocas y de distintos autores nacionales e internacionales, las cuales se trabajan entre docentes y estudiantes, según los contenidos académicos durante el proceso de formación en la Licenciatura en Artes Escénicas de Bellas Artes, Institución universitaria del Valle.
Como resultado del Taller de Creación II, del plan de estudios Licenciatura en Artes Escénicas, la obra es un ejercicio de dramaturgia y creación colectiva que tiene como punto de partida cuentos maravillosos y que propicia la estructuración de cuentos por parte de los estudiantes. Indaga en el lenguaje y convenciones del teatro cómico popular y los payasos
Esta entrevista es la cuarta de una serie de conversaciones que desde la Facultad de Artes Escénicas de Bellas Artes, se entabla sobre las salas de teatro de la ciudad de Cali, para reconocer sus trayectorias y aportes en el desarrollo del sector cultural y académico de Cali. En esta ocasión, nos acompaña Pilar Restrepo Mejía del grupo teatral La Máscara, que este año celebra 52 años de vida escénica. La sede y la sala están ubicadas en San Antonio en la Carrera 10 No. 3 - 40
El maravilloso viaje de la mentira y la verdad
La obra nace de una investigación social realizada por Diana Carolina Mendoza y Francisco Domínguez sobre el proceso de migración en las laderas de Cali. Es una historia que ocurre en los ochenta, por medio de unos personajes alegóricos, presenta el deterioro de una comunidad al tener un recurso escaso y finito. Aborda temas como el arraigo, la solidaridad y la desigualdad. La obra cuenta la historia de una mujer embarazada y desplazada por la violencia que llega a La Esperanza, un asentamiento informal ubicado en la ladera de la ciudad de Cali. Después del parto, la bebé sufre una amarillitis severa que hace que brille en las noches. Cuando la comunidad descubre esto, aprovecha la luz para construir las casas y, legalizar la propiedad, llevando el desenlace a un final inesperado. A partir de esta historia, se recrea la memoria de nuestros barrios populares e historias cotidianas que han formado nuestras ciudades. Se comprende como una obra dramática que permite el juego, el uso de refranes y modismos de la región, la metáfora y el empleo de una escenografía mínima, en el marco del realismo mágico.
Paciente simulado: Una herramienta didáctica y un mecanismo evaluativo en la Facultad de Ciencias de la Salud de la Universidad ICESI
La simulación como herramienta didáctica en los procesos de aprendizaje y/o enseñanza, consiste en situar a un aprendiz en un contexto que recrea algún aspecto de la vida y establece en ese ambiente situaciones y problemas similares a las que podrían producirse en un día a día. La persona que tiene esta experiencia significativa aprende y se prepara para cuando sucedan estos casos reales que impliquen un desarrollo de todo lo aprendido a partir de la simulación. Desde el campo de las ciencias médicas la simulación se ha convertido no solo en una herramienta didáctica donde se representan los casos clínicos sino en un mecanismo de evaluación para los docentes de medicina, específicamente, ha sido utilizado en las materias de medicina interna y especialidades dentro de la carrera de Ciencias de la Salud de la Universidad Icesi. Este mecanismo evaluativo se utiliza al final del semestre en donde se efectúa el ECOE, un examen práctico que permite evaluar las competencias clínicas adquiridas por los estudiantes de medicina. Por ello, la Universidad Icesi, consciente de la importancia de la simulación como herramienta didáctica y mecanismo evaluativo, implementó para los estudiantes de la facultad de Ciencias de la Salud, desde el año 2015, la simulación clínica a través de pacientes simulados (actrices y actores profesionales) para obtener nuevas experiencias dentro de los procesos pedagógicos con los estudiantes de medicina. En este artículo se describirá el desarrollo de esta herramienta didáctica, también ahondaremos en cómo ha sido utilizada como mecanismo evaluativo en los docentes de medicina y se expondrá algunos beneficios y dificultades en la puesta de esta herramienta didáctica.
pacientes representados por actores y actrices
Enseñanza del teatro a partir de la experiencia de estudiantes de básica secundaria
La enseñanza del teatro se relaciona, principalmente, con ejercicios de actuación, ensayos y presentación de una obra, bajo la idea de que hacer teatro (prácticas profesionales de un actor: improvisación, análisis de texto, puesta en escena, etc.), es igual que enseñarlo. En el contexto escolar sucede lo mismo, pero con realidades y desafíos educativos, especialmente de orden metodológico, que se ponen al descubierto al considerar: cómo los estudiantes de básica secundaria están experimentando la enseñanza del teatro y qué tienen para decirnos distinto a lo que hemos concebido como tal. Por lo tanto, este estudio tuvo como objetivo comprender la manera en que se desarrolla la enseñanza teatral en la escuela, desde la experiencia de estudiantes de básica secundaria y media, para avanzar hacia la identificación de fines y contenidos más claros que sirvan de base común en la enseñanza del teatro formal. Para ello, se implementó una investigación de tipo exploratorio-descriptivo con enfoque cualitativo, a través de la entrevista semiestructurada, realizada a seis estudiantes de dos instituciones educativas públicas del departamento del Valle del Cauca durante el periodo 2019-2020. Estos estudiantes participaron de procesos formativos de teatro escolar y otras experiencias previas en la enseñanza de las artes. Los resultados permiten dimensionar aspectos relacionados con la visión de los estudiantes acerca del teatro, el papel del teatro en la escuela y la formación profesional del profesor de teatro.
Este artículo presenta los resultados de la investigación titulada: Hacerte-atro para educar a la sociedad. Un Dispositivo Autoficcional Para La Creación de Teatro Didáctico. Dicho proyecto estudia la obra didáctica como género dramático, y propone una nueva técnica para su creación. La teoría se vale de la autoficción para encontrar el detonador creativo de la obra, y consolidar creaciones que interpelen, cuestionen y rompan sistemas de creencias de entornos opresores para los sujetos. Esta propuesta implica llevar a cabo un proceso de trasposición didáctica, en el que la vida de un sujeto se transforma en un contenido de enseñanza, que a través de un proceso de poetización se lleva a la escena para que cumpla una función educativa. El objetivo de esta investigación fue propiciar escenarios de reflexión en dos comunidades a través de la creación de obras didácticas mediadas por la autoficción. Para ello, se apoyó en la Pedagogía Crítica de Paulo Freire y en la Pedagogía de Frontera de Giroux, quienes concebían la educación como un proceso emancipador. Por ende, esta investigación busca que creadores y espectadores de piezas didácticas asuman el reto del cambio social, es decir, que sean espect-actores en sus propios contextos. La metodología usada fue la Investigación Acción Pedagógica, en tanto el análisis está puesto sobre el dispositivo pedagógico para la creación de obras, con el fin de configurar y reconfigurar la técnica propuesta para que sea susceptible de ser aplicada en escenarios educativos diferenciados. La implementación se realizó en la Universidad Nacional de Cuyo en Mendoza Argentina, con el fin de validar la versatilidad del dispositivo. El principal resultado de la investigación es una propuesta alternativa y novedosa para crear piezas didácticas, en la que cualquier profesional del arte escénico pueda apoyarse para dirigir procesos creativos con un enfoque educativo.
El cancerbero Senén: obra de teatro breve
Se cuenta la historia de Senén Mosquera (Buenaventura, 8 de febrero de 1938 - Bogotá, 20 de mayo de 2018). Fue arquero de Millonarios y de la Selección Colombia. Alternó las canchas con la salsa, en su mítico bar Mozambique del parque Lourdes en la Bogotá de fines de los sesenta, entre 1968 y 1973. Legendarias figuras de la salsa tocaron, hablaron y bebieron allí. El Grupo Niche debutó una noche perdida… Acá una obra corta de dos personajes, inspirado en las pocas grabaciones y videos que se conservan y en la crónica de Alberto Salcedo Ramos, “Senén el precursor” publicado en el libro sobre la salsa en Bogotá, Fuera zapato viejo, de Idartes en 2014. En esa entrevista Senén le dijo a Ramos: “En Quibdó crecí oyendo radio progreso, la emisora cubana. Yo desde pelao conocí a Machito, a su hermana Graciela, a Depiní, a Benny Moré, a Compay Segundo, a Bienvenido Granda. Antes de volverme futbolista yo creí que sería músico”.
La escena transcurre en el año 2053, entre las memorias de EL OBSERVADOR y su aparente estado de realidad. En su cabeza, los recuerdos pesan siendo aun profundamente livianos. Todos los personajes son él; él es un YO multiplicado y multisituado en otros cuerpos, hechos de memorias con falda que aluden a una remembranza ancestral -quizás- de su Medea, una mujer oscura y de carácter reticente que se resiste al olvido. Su cerebro es un marasmo de materia a blanco y negro, líquido cefalorraquídeo y fragmentos de una vida que quiere desaparecer. Logos Controlador, una gris versión interdimensional de Pepe Grillo, habita despóticamente en sus recuerdos, recordándole su naturaleza humanamente caótica y poéticamente intravenosa, atemporal, medianamente fracasada y existencialista. Algunas otras apariciones darán cuenta permanentemente del orden que tiene el caos... Ultimate Corporation hará de su deseo una realidad o de su realidad un deseo; cualquiera de las dos opciones será posible dependiendo de la voluntad de quien observa.
Derechos de autor 2023 Papel Escena https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
¿Es el progreso una catástrofe? ¿Nos hemos deshumanizado con tanta tecnología? ¿El consumismo se ha vuelto el motor de nuestras vidas? ¿Es el Metaverso la vida ideal? ¿La tierra, nuestro planeta, está en conteo regresivo? @ Hannah Arendt, la filósofa, no alcanzó a publicar en sus redes sociales la siguiente frase: “el progreso y la catástrofe son el anverso y el reverso de una misma moneda”... pero la escribió en un libro. Los cuadros del Progreso, una parodia de nuestros días...
Un espacio metafórico habitado desde el lenguaje del cuerpo, la convención del movimiento y la caracterización del gesto, es atravesado por un suceso externo a él, transgrediendo lo que sería un día normal. ¿Qué harías si supieras que es el último día de tú vida? La obra " Esto... ¡No tiene nombre! " Nace como resultado de la lectura de acontecimientos cotidianos sin explicación: la explotación laboral, la cotidiana rutina, la complejidad de las relaciones humanas y la excesiva exacerbación de la vida etc. Se en marcan desde la intertextualidad de un evento, contenedor de orden nacional y social.