Papel Escena es una publicación académica bianual continua de la Facultad de Artes Escénicas de Bellas Artes, Institución Universitaria del Valle, que tiene como objetivo la difusión de artículos resultados de investigación en Artes Escénicas: actuación, docencia artística en teatro y dinamización cultural, así como artículos de reflexión o revisión que sean herramientas de trabajo para investigaciones posteriores en el área y que se ocupen de asuntos de importancia y actualidad para la comunidad.
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En esta versión libre de Notas de cocina, de Rodrigo García, y mediante algunos textos de la Divina comedia, de Dante Alighieri, un grupo de muertos nos cuenta cómo destruyeron el planeta y cómo se consumieron ellos mismos antes de morir. Desde la vida, crearon su propio infierno: una desbordada sociedad de consumo, un frenético culto al ego y un pisarse unos a otros, buscando llegar “arriba” en el círculo depredador, en el que todos participan. A veces como humanos y a veces como bestias: centauros.
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La muerte se ha apoderado de la ciudad: un virus amenaza con el exterminio de la humanidad, que termina por convertir en rata a quienes la padecen. Quienes gobiernan, al no encontrar una cura efectiva contra el enratecimiento, optan por las armas como forma de control de la propagación del virus. Las muertes que rondan la ciudad son las encargadas de contarle al público de primera mano este gran apocalipsis. Esta versión propone el enratecimiento como metáfora de un mundo al borde de la destrucción, un mundo donde la estupidez humana puede ser un arma de destrucción masiva. Proyecto Piloto es una adaptación libre de la obra del dramaturgo caleño Enrique Buenaventura, con textos también de la versión libre que hace Carlos Enrique Lozano de la misma obra, denominada Proyecto P.
Jesús es la obra del dramaturgo cubano Virgilio Piñera. Es una farsa teatral que en esta ocasión ha sido adaptada para que dialogue con la estética contemporánea de un municipio al sur del Valle del Cauca. Una mentira se convierte en verdad por la psicología popular de las masas, haciendo que la vida de un desprevenido peluquero de pueblo, termine imitando la azarosa vida del personaje religioso “Jesús de Nazaret”. El espectador vivirá una serie de emociones: como la risa, la incertidumbre y la impotencia, reflexionando sobre el poder de la información en la sociedad contemporáneo y cómo las nuevas formas de comunicación relativizan la realidad, encausando la opinión según el interés que se persiga.
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Estudios comparados de expectación teatral: nuevas aproximaciones a la problemática de las/los espectadores
La escritura de una historia territorializada de la expectación teatral (en el marco del Proyecto Filo:CyT FC22-089 "Historia comparada de las/los espectadores en el teatro de Buenos Aires 1901-1914") nos exige el desafío de elaborar un posicionamiento epistemológico, teorías y metodologías teatrológicas de innovación con características específicas acordes a la problemática estudiada. En este trabajo planteamos los principales lineamientos de los Estudios Comparados de Expectación Teatral (ECET), su relación con la disciplina/metadisciplina Filosofía del Teatro, la Fenomenología Aplicada y la Investigación Participativa. Los ECET conciben la expectación teatral como acontecimiento: el "expectateatrar", y valoran la producción de conocimiento en las Escuelas de Espectadores, pensadas como laboratorios de (auto)percepción de la complejidad del expectateatrar.
Lo que llamo la carne es el cuerpo vivido, habitado por el contacto con el mundo. Más que en el cuerpo anatómico, me intereso en su dimensión emocional, cultural, ¡carnal! En esta selección de fotografías exploro diversas temáticas que ponen de manifiesto tanto la vulnerabilidad del cuerpo como su resistencia frente a diversos dispositivos de violencia. Estas violencias hacia la mujer siguen siendo, aún hoy en día, banalizandas o silenciadas en nuestras sociedades. Carne Sub Rosa evoca ese cuerpo que ha sido velado, acallado o asociado a lo reprimido a través de la construcción de tabúes sociales en torno a la sexualidad femenina y a la violencia. Con mis imágenes, busco desvelar y exponer, de manera metafórica, aquello que ha sido secretamente guardado “bajo la rosa”, lo no dicho sobre estas experiencias de la carne. En varias piezas, el cuerpo se convierte en un espacio donde se inscriben las violencias que muchas mujeres sufren: desde la violencia simbólica y estructural hasta la violencia física y sexual. Al exponer estas imágenes pretendo cuestionar las narrativas tradicionales que invisibilizan estas experiencias, confrontando al espectador con una realidad incómoda, pero urgente de ser visibilizada. Otros de los temas que he abordado se relaciona con la sexualidad femenina, un aspecto que la sociedad ha cubierto de tabúes y silencios. A través de estas representaciones, intento escavar bajo la rosa para romper con esos esquemas, revelando una sexualidad que es explorada como una parte integral de la identidad femenina. Finalmente, me adentro en las emociones íntimas que marcan la relación de las mujeres con su propio cuerpo: la vergüenza, el miedo y la lucha por reclamar la autonomía emocional y física. En estas imágenes, el cuerpo se revela como un espacio de contradicción, donde el dolor y el deseo coexisten en tensión constante.
En los diferentes números de la revista Papel Escena, en la sección Escena en Proyección, se registran los montajes resultados de los talleres de creación escénica; obras de dramaturgia de diferentes épocas y de distintos autores nacionales e internacionales, las cuales se trabajan entre docentes y estudiantes, según los contenidos académicos durante el proceso de formación en la Licenciatura en Artes Escénicas de Bellas Artes, Institución universitaria del Valle
En los diferentes números de la revista Papel Escena, en la sección Escena en Proyección, se registran los montajes resultados de los talleres de creación escénica; obras de dramaturgia de diferentes épocas y de distintos autores nacionales e internacionales, las cuales se trabajan entre docentes y estudiantes, según los contenidos académicos durante el proceso de formación en la Licenciatura en Artes Escénicas de Bellas Artes, Institución universitaria del Valle.
Como resultado del Taller de Creación II, del plan de estudios Licenciatura en Artes Escénicas, la obra es un ejercicio de dramaturgia y creación colectiva que tiene como punto de partida cuentos maravillosos y que propicia la estructuración de cuentos por parte de los estudiantes. Indaga en el lenguaje y convenciones del teatro cómico popular y los payasos
Esta entrevista es la cuarta de una serie de conversaciones que desde la Facultad de Artes Escénicas de Bellas Artes, se entabla sobre las salas de teatro de la ciudad de Cali, para reconocer sus trayectorias y aportes en el desarrollo del sector cultural y académico de Cali. En esta ocasión, nos acompaña Pilar Restrepo Mejía del grupo teatral La Máscara, que este año celebra 52 años de vida escénica. La sede y la sala están ubicadas en San Antonio en la Carrera 10 No. 3 - 40
El maravilloso viaje de la mentira y la verdad
La obra nace de una investigación social realizada por Diana Carolina Mendoza y Francisco Domínguez sobre el proceso de migración en las laderas de Cali. Es una historia que ocurre en los ochenta, por medio de unos personajes alegóricos, presenta el deterioro de una comunidad al tener un recurso escaso y finito. Aborda temas como el arraigo, la solidaridad y la desigualdad. La obra cuenta la historia de una mujer embarazada y desplazada por la violencia que llega a La Esperanza, un asentamiento informal ubicado en la ladera de la ciudad de Cali. Después del parto, la bebé sufre una amarillitis severa que hace que brille en las noches. Cuando la comunidad descubre esto, aprovecha la luz para construir las casas y, legalizar la propiedad, llevando el desenlace a un final inesperado. A partir de esta historia, se recrea la memoria de nuestros barrios populares e historias cotidianas que han formado nuestras ciudades. Se comprende como una obra dramática que permite el juego, el uso de refranes y modismos de la región, la metáfora y el empleo de una escenografía mínima, en el marco del realismo mágico.
Paciente simulado: Una herramienta didáctica y un mecanismo evaluativo en la Facultad de Ciencias de la Salud de la Universidad ICESI
La simulación como herramienta didáctica en los procesos de aprendizaje y/o enseñanza, consiste en situar a un aprendiz en un contexto que recrea algún aspecto de la vida y establece en ese ambiente situaciones y problemas similares a las que podrían producirse en un día a día. La persona que tiene esta experiencia significativa aprende y se prepara para cuando sucedan estos casos reales que impliquen un desarrollo de todo lo aprendido a partir de la simulación. Desde el campo de las ciencias médicas la simulación se ha convertido no solo en una herramienta didáctica donde se representan los casos clínicos sino en un mecanismo de evaluación para los docentes de medicina, específicamente, ha sido utilizado en las materias de medicina interna y especialidades dentro de la carrera de Ciencias de la Salud de la Universidad Icesi. Este mecanismo evaluativo se utiliza al final del semestre en donde se efectúa el ECOE, un examen práctico que permite evaluar las competencias clínicas adquiridas por los estudiantes de medicina. Por ello, la Universidad Icesi, consciente de la importancia de la simulación como herramienta didáctica y mecanismo evaluativo, implementó para los estudiantes de la facultad de Ciencias de la Salud, desde el año 2015, la simulación clínica a través de pacientes simulados (actrices y actores profesionales) para obtener nuevas experiencias dentro de los procesos pedagógicos con los estudiantes de medicina. En este artículo se describirá el desarrollo de esta herramienta didáctica, también ahondaremos en cómo ha sido utilizada como mecanismo evaluativo en los docentes de medicina y se expondrá algunos beneficios y dificultades en la puesta de esta herramienta didáctica.
pacientes representados por actores y actrices
Enseñanza del teatro a partir de la experiencia de estudiantes de básica secundaria
La enseñanza del teatro se relaciona, principalmente, con ejercicios de actuación, ensayos y presentación de una obra, bajo la idea de que hacer teatro (prácticas profesionales de un actor: improvisación, análisis de texto, puesta en escena, etc.), es igual que enseñarlo. En el contexto escolar sucede lo mismo, pero con realidades y desafíos educativos, especialmente de orden metodológico, que se ponen al descubierto al considerar: cómo los estudiantes de básica secundaria están experimentando la enseñanza del teatro y qué tienen para decirnos distinto a lo que hemos concebido como tal. Por lo tanto, este estudio tuvo como objetivo comprender la manera en que se desarrolla la enseñanza teatral en la escuela, desde la experiencia de estudiantes de básica secundaria y media, para avanzar hacia la identificación de fines y contenidos más claros que sirvan de base común en la enseñanza del teatro formal. Para ello, se implementó una investigación de tipo exploratorio-descriptivo con enfoque cualitativo, a través de la entrevista semiestructurada, realizada a seis estudiantes de dos instituciones educativas públicas del departamento del Valle del Cauca durante el periodo 2019-2020. Estos estudiantes participaron de procesos formativos de teatro escolar y otras experiencias previas en la enseñanza de las artes. Los resultados permiten dimensionar aspectos relacionados con la visión de los estudiantes acerca del teatro, el papel del teatro en la escuela y la formación profesional del profesor de teatro.
Este artículo presenta los resultados de la investigación titulada: Hacerte-atro para educar a la sociedad. Un Dispositivo Autoficcional Para La Creación de Teatro Didáctico. Dicho proyecto estudia la obra didáctica como género dramático, y propone una nueva técnica para su creación. La teoría se vale de la autoficción para encontrar el detonador creativo de la obra, y consolidar creaciones que interpelen, cuestionen y rompan sistemas de creencias de entornos opresores para los sujetos. Esta propuesta implica llevar a cabo un proceso de trasposición didáctica, en el que la vida de un sujeto se transforma en un contenido de enseñanza, que a través de un proceso de poetización se lleva a la escena para que cumpla una función educativa. El objetivo de esta investigación fue propiciar escenarios de reflexión en dos comunidades a través de la creación de obras didácticas mediadas por la autoficción. Para ello, se apoyó en la Pedagogía Crítica de Paulo Freire y en la Pedagogía de Frontera de Giroux, quienes concebían la educación como un proceso emancipador. Por ende, esta investigación busca que creadores y espectadores de piezas didácticas asuman el reto del cambio social, es decir, que sean espect-actores en sus propios contextos. La metodología usada fue la Investigación Acción Pedagógica, en tanto el análisis está puesto sobre el dispositivo pedagógico para la creación de obras, con el fin de configurar y reconfigurar la técnica propuesta para que sea susceptible de ser aplicada en escenarios educativos diferenciados. La implementación se realizó en la Universidad Nacional de Cuyo en Mendoza Argentina, con el fin de validar la versatilidad del dispositivo. El principal resultado de la investigación es una propuesta alternativa y novedosa para crear piezas didácticas, en la que cualquier profesional del arte escénico pueda apoyarse para dirigir procesos creativos con un enfoque educativo.
El cancerbero Senén: obra de teatro breve
Se cuenta la historia de Senén Mosquera (Buenaventura, 8 de febrero de 1938 - Bogotá, 20 de mayo de 2018). Fue arquero de Millonarios y de la Selección Colombia. Alternó las canchas con la salsa, en su mítico bar Mozambique del parque Lourdes en la Bogotá de fines de los sesenta, entre 1968 y 1973. Legendarias figuras de la salsa tocaron, hablaron y bebieron allí. El Grupo Niche debutó una noche perdida… Acá una obra corta de dos personajes, inspirado en las pocas grabaciones y videos que se conservan y en la crónica de Alberto Salcedo Ramos, “Senén el precursor” publicado en el libro sobre la salsa en Bogotá, Fuera zapato viejo, de Idartes en 2014. En esa entrevista Senén le dijo a Ramos: “En Quibdó crecí oyendo radio progreso, la emisora cubana. Yo desde pelao conocí a Machito, a su hermana Graciela, a Depiní, a Benny Moré, a Compay Segundo, a Bienvenido Granda. Antes de volverme futbolista yo creí que sería músico”.
La escena transcurre en el año 2053, entre las memorias de EL OBSERVADOR y su aparente estado de realidad. En su cabeza, los recuerdos pesan siendo aun profundamente livianos. Todos los personajes son él; él es un YO multiplicado y multisituado en otros cuerpos, hechos de memorias con falda que aluden a una remembranza ancestral -quizás- de su Medea, una mujer oscura y de carácter reticente que se resiste al olvido. Su cerebro es un marasmo de materia a blanco y negro, líquido cefalorraquídeo y fragmentos de una vida que quiere desaparecer. Logos Controlador, una gris versión interdimensional de Pepe Grillo, habita despóticamente en sus recuerdos, recordándole su naturaleza humanamente caótica y poéticamente intravenosa, atemporal, medianamente fracasada y existencialista. Algunas otras apariciones darán cuenta permanentemente del orden que tiene el caos... Ultimate Corporation hará de su deseo una realidad o de su realidad un deseo; cualquiera de las dos opciones será posible dependiendo de la voluntad de quien observa.
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¿Es el progreso una catástrofe? ¿Nos hemos deshumanizado con tanta tecnología? ¿El consumismo se ha vuelto el motor de nuestras vidas? ¿Es el Metaverso la vida ideal? ¿La tierra, nuestro planeta, está en conteo regresivo? @ Hannah Arendt, la filósofa, no alcanzó a publicar en sus redes sociales la siguiente frase: “el progreso y la catástrofe son el anverso y el reverso de una misma moneda”... pero la escribió en un libro. Los cuadros del Progreso, una parodia de nuestros días...
Un espacio metafórico habitado desde el lenguaje del cuerpo, la convención del movimiento y la caracterización del gesto, es atravesado por un suceso externo a él, transgrediendo lo que sería un día normal. ¿Qué harías si supieras que es el último día de tú vida? La obra " Esto... ¡No tiene nombre! " Nace como resultado de la lectura de acontecimientos cotidianos sin explicación: la explotación laboral, la cotidiana rutina, la complejidad de las relaciones humanas y la excesiva exacerbación de la vida etc. Se en marcan desde la intertextualidad de un evento, contenedor de orden nacional y social.
La obra El turno, es una de las acciones investigativas de aula del proyecto de investigación creación que se pregunta por las prácticas del teatro experimental en el teatro latinoamericano, fomenta la indagación escénica teniendo como hilo los asuntos del vivir y hace del laboratorio artístico una experiencia permanente. Como parte de la ruta de enseñanzas/aprendizajes del programa, implica en su experiencia formativa la indagación sobre los diferentes elementos del tejido discursivo teatral, con énfasis en lo “verbal” en el entramado de la imagen teatral, en tanto enunciado en articulación dramatúrgica y contextual.
En una fiesta de cumpleaños la noche resulta dando un giro completo tras un suceso de caos civil. Los asistentes tendrán que recurrir a varios métodos para mantenerse seguros y que no entren en su propiedad. Esa noche, la vida de la familia cambiará rotundamente, desnudando lo más profundo de su humanidad, dando rienda suelta a sus instintos más primigenios.
Esta es una obra sobre la mujer, sobre los ríos que nos habitan. Marea Magdalena relata la historia de una niña del campo que sueña con volverse río; río que inevitablemente desembocará en el mar; río que lleva su nombre: Magdalena. La niña es habitada por el espíritu de María Magdalena de textos apócrifos y posee una naturaleza sabia, mística y sexual muy desarrollada que transgrede con todo el sistema familiar y contexto que la rodea. El texto es un viaje de resignificación y constante lucha de Magdalena con lo que representa ser mujer en el entramado cultural y violento de su territorio; una lucha por lograr su sueño de fluidez y libertad. Siguiendo el cauce del río y sus etapas hasta llegar al mar, asumiendo su lógica contracorriente, María se convierte en Marea.
La fotografía no se captura con una cámara o con el ojo, sino con el espíritu, y en esto el escritor argentino Ernesto Sábato me ha resultado un maestro al momento de decidir el cuadro y disparar, usualmente a la mirada de infantes y viejos/as. En contra del relato de estos tiempos, la melancolía, la profunda tristeza, la derrota, son en Sábato, estimo, una potencia para existir, pues constituyen abismos de los cuales un artista, como lo es Sábato, difícilmente se podría separar, pues su existencia es la revelación en el arte de la afortunada condición dramática humana. No pretendo reducirlo a lo señalado hasta aquí, pero sí he de decir que es en esto donde se me presenta como una puja del pacífico en la que naufrago y resulto luego arrojado, vencido, en alguna orilla. Antes del fin, nombre de esta colección en homenaje a Ernesto Sábato, es una de esas posibilidades para alertarnos severamente sobre la Muerte a partir de la hondura vital, muchas veces desapercibida, que habita en la cotidianidad y que la fotografía tiene la posibilidad de revelar sin colores que la maquillen, que le estorben, que le hagan ruido. Y esa grieta de la existencia, perturbadora, la hallo en la mirada de otros como espejo de mis propias grietas. Como lo mencioné, generalmente es en los viejos/as donde encuentro esas miradas como abismos por los cuales caigo yo también. Antes del fin, el libro, es para mí una colección de anécdotas a blanco y negro, como el autor, que dan cuenta de una vida que se sabe ya transcurrida, ad portas de ser tomada por la Muerte y que, quizá por ello mismo, nos habla con tanta vitalidad preñada de la angustia por la existencia y el amor.
Racialización de la mujer afro en el teatro y en otros escenarios
En general abordaré el tema de cómo la racialización se vive en las artes escénicas y como las mujeres negras son vulnerables a múltiples estereotipos de raza y género. Sin embargo, existen esas resistencias desde el arte que buscan resignificar, trasformar y deconstruir estos estereotipos, por ello al final se enunciaran algunos ejemplos de resignificación. Primero se realizará una contextualización sobre los orígenes de la racialización. Por esto se comenzará abordando los conceptos de racialización, raza y la denominación de negro. En un segundo momento, se desglosarán algunas percepciones racializantes de la mujer negra en américa latina, y cómo estas percepciones se han traducido en representaciones en el teatro, la literatura y los medios de comunicación. En un tercer momento, se abordará el tema de la resignificación según Henry Louis Gates, jr., dando variados ejemplos alrespecto y por último se explicarán los ejemplos de resignificación en el campo teatral y literario.
El diálogo propuesto explora el proyecto Salve Salva Salvia como documento de memoria y dispositivo de acción artística que se pregunta por la obligación del estado de proteger y la posibilidad de las prácticas artísticas de restaurar la dignidad. Salve, Salva, Salvia es gesto participativo a manera de ofrenda, de memoria y sanación (o alivio), en el proceso de creación de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia. Esta práctica surge a partir de un llamado ético en la coyuntura del estallido social en la ciudad de Cali, Colombia, por los asesinatos de jóvenes manifestantes en el marco del Paro Nacional entre abril y junio de 2021 en Colombia.
Del evento escénico a sus enunciaciones presenta una reflexión alrededor de las maneras como la memoria de la danza se construye a través de un escenario verbal y escrito en el que la danza extiende sus fronteras comunicativas. Una vez la danza desaparece como evento, esta reaparece desplazándose en el campo de la memoria como un proceso de diseminación que viaja a través de la palabra, del cuerpo, del texto, de la imagen y del sonido. Estas son las enunciaciones de la danza. Diferentes tipos de reapariciones reactivan la experiencia de la danza ensanchando las fronteras del evento e insertándose en la vida social. La danza es desplazada en el tiempo: ocurre, resuena y se mueve en el tiempo; y este desplazamiento de la danza en la memoria no está condensado como una unidad, o en una forma particular de la memoria, sino que las memorias de la danza componen un mundo complejo en el que resuenan muchos tipos de voz, de formatos, de escenarios, de protocolos y de políticas de la memoria. Este documento parte de la pregunta por la memoria de la danza como concepto y como práctica agenciada en y por el cuerpo, lo que conlleva a una reflexión que se sustenta en el análisis de las distintas escrituras que emergen en el contexto de la danza, así como en la misma práctica coreográfica que se convierte en un campo de investigación. En este texto presento la investigación coreográfica Volume 18 No.1 realizada en el 2010 en el marco de mi maestría en coreografía.
El artículo presenta los resultados de la investigación titulada: De la historia al teatro: soldados, una reescritura colectiva de la masacre de las bananeras, 1968-1972, monografía realizada para optar al título de historiador en la Universidad del Cauca, cuyo objetivo general fue identificar cómo se representó la masacre de las bananeras en la obra Soldados del Teatro Experimental de Cali, en el periodo de 1968-1972. Fue una investigación documental, cuyo estudio fue de caso, bajo el enfoque de la historia cultural pretendiendo operativizar el concepto de acontecimiento teatral (Dubatti, 2011a) con relación al acontecimiento histórico, en el contexto de la producción de la obra Soldados en las versiones del Teatro Experimental de Cali –TEC–, realizadas entre 1968 y 1972. Para ello se utilizaron fuentes de archivo disponibles del Centro de Investigación Teatral Enrique Buenaventura –CITEB–, el texto de la obra y un archivo visual de la misma. Para el análisis se utilizó una matriz de lectura adaptada a los contenidos y conceptos claves de cada tipo de documento y su origen, aplicando, en algunos casos, técnicas de paleografía y crítica de fuentes. Los resultados permiten afirmar que el TEC realizó, en la obra Soldados, una representación novedosa y pionera de la masacre de las bananeras, bajo una interpretación histórica que se fundamentó en el materialismo histórico y bajo una propuesta escénica que respondió al descubrimiento, por parte del grupo teatral, de un método de trabajo colectivo, en el contexto de los años sesenta donde, tanto la historia como el teatro, iniciaron un proceso de profesionalización y modernización en Colombia.